Avec <a href="https://www.enth-projects.com">Enth Projects</a>, Shem Jacobs lance une nouvelle plateforme dédiée à la découverte, aux connexions et au collectionnisme, et partage avec L’Officiel sa vision d’un art contemporain sans frontières, entre expériences physiques et digitales.

Avec le lancement d’Enth Projects, le commissaire d’exposition et stratège culturel britanno-polonais Shem Jacobs dévoile une nouvelle plateforme curatoriale qui met en relation artistes, collectionneurs et institutions à travers des sélections en ligne soigneusement pensées, des expositions nomades et des collaborations culturelles. Plutôt que de remplacer le modèle traditionnel de la galerie, Enth Projects propose une autre manière de découvrir et d’expérimenter l’art contemporain — plus flexible, plus transparente et résolument internationale. Nous avons échangé avec Shem Jacobs sur l’évolution du collectionnisme, le rôle changeant du curateur et les raisons pour lesquelles l’inspiration commence toujours par une connexion humaine.
L’OFFICIEL : Enth Projects vient tout juste d’être lancé. Qu’est-ce qui vous a poussé à créer cette plateforme aujourd’hui ?
SHEM JACOBS : Avec le recul, je ne pense pas qu’il y ait eu un moment décisif en particulier, mais plutôt une accumulation progressive d’expériences. Au cours des quinze dernières années, j’ai travaillé avec des institutions, des galeries commerciales, des marques de luxe, des projets indépendants et dans le conseil, passant souvent d’univers qui ne communiquent pas naturellement entre eux. Plutôt que de considérer ces expériences comme des chapitres distincts, j’ai commencé à réaliser qu’elles convergeaient toutes vers une même question : à quoi pourrait ressembler un modèle plus connecté et plus fluide pour appréhender l’art contemporain ?
J’ai toujours été moins intéressé par l’idée de m’inscrire dans un rôle unique que par celle de créer des connexions significatives — entre artistes et collectionneurs, expositions et contenu éditorial, expériences physiques et digitales. Je pense que l’avenir du monde de l’art réside dans cette fluidité plutôt que dans des définitions figées. Non pas parce que les modèles traditionnels seraient devenus obsolètes, mais parce que les artistes et les publics évoluent désormais naturellement entre ces différents univers.
Enth Projects est né de cette conviction. Je souhaitais créer une plateforme capable de réunir expositions, contenus éditoriaux, sélections en ligne et collaborations culturelles au sein d’un même écosystème. Au cœur d’Enth se trouve l’ambition de créer des rencontres réfléchies entre artistes, publics et collectionneurs, où qu’ils se trouvent.
L’O : Le nom Enth vient du grec entheos, « être inspiré de l’intérieur ». Pourquoi ce concept était-il si important pour l’identité du projet ?
SJ : J’ai toujours pensé que les rencontres les plus significatives avec l’art commencent en nous-mêmes. On ne peut jamais prévoir quelle œuvre restera avec nous, ni pourquoi. Parfois, il s’agit d’une image, parfois d’une conversation avec un artiste, parfois encore d’une exposition à laquelle on continue de penser des années plus tard. Ces expériences façonnent progressivement notre manière de voir le monde, souvent bien avant que nous comprenions pleinement pourquoi.
Lorsque j’ai découvert le mot entheos, il a immédiatement résonné en moi, car il donnait un nom à quelque chose auquel je réfléchissais depuis longtemps. Il décrit ce mouvement intérieur, discret, que l’art peut provoquer. Il ne s’agit ni de spectacle ni d’immédiateté, mais de la façon dont une œuvre continue de se révéler longtemps après que l’on a quitté la galerie ou refermé le livre.
Cette idée est devenue le fondement d’Enth Projects. Chaque exposition, contenu éditorial ou sélection en ligne part de la même ambition : créer les conditions propices à ce type de rencontre. J’espère que les visiteurs repartent en ayant découvert un artiste qu’ils ne connaissaient pas, porté un nouveau regard sur une œuvre ou simplement ressenti suffisamment de curiosité pour poursuivre leur exploration. Pour moi, c’est ainsi que commence une relation véritablement significative avec l’art.
L’O : Vous décrivez Enth Projects comme n’étant ni une galerie, ni une maison de ventes aux enchères, ni simplement une marketplace en ligne. Si vous deviez le définir en une phrase, comment le présenteriez-vous ?
SJ : Je n’ai jamais ressenti le besoin de définir Enth Projects à travers une seule catégorie, car ce n’est pas ainsi que je perçois l’art contemporain aujourd’hui. Je le décrirais comme une plateforme curatoriale contemporaine réunissant expositions, contenus éditoriaux, sélections en ligne et collaborations culturelles afin de créer de nouvelles manières, plus significatives, de découvrir, d’expérimenter et de collectionner l’art. En définitive, Enth Projects ne se définit pas par un format unique, mais par son engagement à créer des rencontres réfléchies avec l’art contemporain.
L’O : Tout au long de votre carrière, vous avez travaillé entre New York, Londres et Shanghai. Comment ces paysages culturels très différents ont-ils façonné votre approche curatoriale ?
SJ : Au cours de ma carrière, j’ai eu l’opportunité d’évoluer dans des sphères très différentes du monde de l’art — des institutions et fondations au conseil auprès de marques de luxe en matière de stratégie culturelle et de constitution de collections, tout en développant des expositions indépendantes et en travaillant directement avec des artistes et des collectionneurs. Chacun de ces environnements possède ses propres priorités, son propre rythme et sa propre manière de penser, et le fait de naviguer entre eux a façonné mon approche de chaque projet.
Je n’ai jamais été particulièrement doué pour rester dans une seule voie, ce qui m’a probablement plutôt bien servi. Le monde de l’art peut être très segmenté, mais j’ai toujours été attiré par les intersections — entre artistes et collectionneurs, galeries et institutions, contextes commerciaux et non commerciaux, et finalement entre une œuvre d’art et la personne qui vivra avec elle.
Travailler en Europe, en Asie et aux États-Unis m’a appris à quel point le contexte culturel influence profondément notre manière d’appréhender l’art. Chaque lieu apporte ses propres perspectives, priorités et façons de construire des relations, et comprendre ces nuances a toujours été essentiel dans mon travail. Dans le même temps, j’ai constaté que les qualités qui fondent les relations durables sont remarquablement universelles : la confiance, la transparence, la constance et le respect comptent, quelle que soit la géographie.

L’O : On entend souvent dire que le monde de l’art est en pleine mutation. Selon vous, quelles sont aujourd’hui les transformations majeures dans la manière dont les gens découvrent et collectionnent l’art contemporain ?
SJ : Le changement le plus important est que la découverte n’est plus liée à un lieu ou à un moment unique. On peut découvrir un artiste pour la première fois à travers une exposition, un essai, la recommandation d’un ami, au cours d’un voyage ou via une plateforme digitale soigneusement curatée. Ces différentes expériences se nourrissent désormais les unes des autres plutôt que d’exister séparément.
Par conséquent, collectionner est devenu un processus beaucoup plus réfléchi. Les gens ne cherchent plus simplement à acquérir une œuvre ; ils souhaitent comprendre l’artiste, les idées qui sous-tendent son travail et le contexte plus large dans lequel celui-ci s’inscrit. Cette recherche de contexte permet de développer une relation plus informée et plus personnelle avec l’art.
La technologie a incontestablement élargi l’accès à l’art, mais je ne pense pas que ce soit le changement le plus intéressant. Ce qui a véritablement évolué, ce sont les comportements. Les gens sont plus curieux, plus autonomes dans leurs recherches et plus à l’aise lorsqu’il s’agit de naviguer entre expériences physiques et digitales. Plutôt que de se remplacer, ces différents points de rencontre font désormais partie d’un même parcours.
L’O : Enth Projects présente des œuvres à travers des sélections soigneusement curatées, proposées selon le principe du premier arrivé, premier servi, plutôt qu’à travers des expositions ou foires traditionnelles. Quels avantages ce modèle offre-t-il aux artistes comme aux collectionneurs ?
SJ : L’une des choses que j’apprécie le plus dans le modèle en ligne est sa flexibilité. Enth Projects n’étant pas construit autour d’un roster fixe d’artistes représentés, je peux collaborer avec des artistes projet par projet et présenter un éventail beaucoup plus large de pratiques. Cela crée un espace propice à des dialogues inattendus entre des artistes issus de générations, de territoires et de disciplines différents, tout en permettant à chaque sélection d’avoir sa propre identité.
Ce modèle permet également au programme de toucher un public véritablement international. Une personne à New York, Varsovie ou Tokyo peut découvrir les œuvres exactement de la même manière, où qu’elle se trouve. Au lieu d’être limitée à un lieu particulier ou à un soir de vernissage, la présentation reste accessible, permettant au public d’y revenir, de prendre le temps de découvrir les contenus éditoriaux et d’explorer les œuvres à son propre rythme.
Pour les collectionneurs, je pense que cela offre une manière plus directe et transparente de découvrir et de collectionner l’art contemporain. Chaque sélection est accompagnée d’un contenu éditorial original qui apporte davantage de contexte sur les artistes et leurs pratiques, afin que l’expérience aille bien au-delà de la simple présentation d’œuvres disponibles. De nouvelles sélections sont proposées toutes les quelques semaines, créant ainsi une programmation évolutive et de nouvelles découvertes tout au long de l’année, tout en restant ancrée dans une approche curatoriale exigeante plutôt que dans une logique de volume.
L’O : Les plateformes digitales ont transformé presque toutes les industries créatives, pourtant de nombreux collectionneurs considèrent encore que l’achat d’une œuvre nécessite l’expérience physique d’une galerie. Comment voyez-vous évoluer la relation entre espaces digitaux et physiques ?
SJ : Peut-être ne s’agit-il pas de savoir si l’un doit remplacer l’autre. Ils remplissent des rôles différents au sein d’un même parcours de découverte et de collection.
Certains aspects d’une œuvre ne peuvent être véritablement expérimentés qu’en personne — son échelle, sa matérialité, sa présence et l’atmosphère créée par une exposition. Ces expériences restent irremplaçables et deviennent même, à bien des égards, encore plus précieuses précisément en raison de leur dimension physique.
Les plateformes digitales offrent autre chose. Elles abolissent les barrières géographiques, prolongent la vie d’un projet au-delà de l’exposition elle-même et permettent au public d’interagir avec les artistes et leur travail où qu’il se trouve. Les contenus éditoriaux, films, interviews et présentations en ligne soigneusement pensées permettent à cette relation de s’approfondir avec le temps plutôt que de prendre fin lorsque l’exposition ferme ses portes.
Je pense que l’avenir consiste à reconnaître la complémentarité de ces expériences. Une rencontre durable avec une œuvre peut commencer en ligne, se poursuivre dans une exposition physique, puis revenir vers une plateforme digitale pour aller plus loin. Il ne s’agit plus de choisir entre le physique et le digital, mais de créer un écosystème plus riche dans lequel chacun renforce l’autre.
L’O : Au-delà des expositions, Enth Projects propose également du conseil curatorial et un accompagnement dans la constitution de collections. Lorsque vous conseillez des collectionneurs, quelles qualités les encouragez-vous à rechercher au-delà de la valeur marchande ?
SJ : La première chose que j’encourage est la curiosité. Il n’est pas nécessaire d’avoir toutes les réponses avant de commencer à collectionner — en réalité, je pense que les collections les plus enrichissantes naissent souvent d’une véritable curiosité plutôt que de certitudes.
Bien sûr, il est important de comprendre la pratique d’un artiste, son parcours et son contexte plus large, mais j’encourage également les collectionneurs à prêter attention à leur propre réaction. Quelles œuvres continuent de vous habiter ? Vers lesquelles revenez-vous naturellement ? Les œuvres qui deviennent les plus importantes sont souvent celles qui continuent à révéler quelque chose de nouveau avec le temps.
En définitive, je considère le fait de collectionner comme le début d’une relation à long terme plutôt que comme une transaction. Une collection réfléchie reflète non seulement les artistes qui la composent, mais aussi la curiosité, les valeurs et le regard de la personne qui l’a constituée.
Je ne pense pas que mon rôle soit de dire à quelqu’un ce qu’il devrait collectionner. Il consiste plutôt à l’aider à mieux comprendre ce qui le touche et pourquoi. À partir de là, les bonnes décisions deviennent généralement beaucoup plus évidentes.

L’O : Beaucoup de jeunes collectionneurs se sentent intimidés par le monde de l’art contemporain. Quel conseil donneriez-vous à quelqu’un qui achète sa toute première œuvre ?
SJ : Je les encouragerais à rechercher une véritable connexion avec l’artiste et son travail. Les collections les plus significatives se construisent souvent autour d’œuvres qui résonnent émotionnellement, intellectuellement ou intuitivement, plutôt qu’en suivant simplement les tendances du marché.
Comprendre la pratique et le contexte d’un artiste est important, mais il faut également faire confiance à sa propre sensibilité. Une collection qui a du sens commence par la curiosité, la connexion et la confiance nécessaire pour suivre ce qui nous touche véritablement.
L’O : Le luxe et l’art contemporain sont de plus en plus étroitement liés à travers les collaborations avec les maisons de mode, les hôtels et les grandes marques internationales. Selon vous, dans quels domaines ces deux univers s’enrichissent-ils véritablement, et où devraient-ils conserver leur indépendance ?
SJ : Ces relations peuvent être extrêmement enrichissantes lorsqu’elles reposent sur une véritable curiosité culturelle, plutôt que sur le simple emprunt des codes ou de l’esthétique de l’art contemporain. Dans leurs meilleures expressions, ces deux univers partagent un même attachement au savoir-faire, à la créativité et à la création d’expériences capables de laisser une impression durable.
Ayant travaillé aussi bien avec des artistes qu’avec des marques de luxe, j’ai constaté que les collaborations les plus fortes commencent par un respect mutuel. Le rôle d’une marque ne devrait pas être de diriger la voix d’un artiste, mais de créer les conditions permettant à des idées ambitieuses de voir le jour — qu’il s’agisse de commander de nouvelles œuvres, de soutenir des expositions ou d’investir dans des initiatives culturelles à long terme. Pour moi, les partenariats les plus pertinents sont ceux qui laissent une trace : en soutenant la pratique d’un artiste, en permettant à de nouveaux publics de découvrir l’art ou en apportant une contribution durable au paysage culturel.
Là où il me semble essentiel de préserver une indépendance, c’est en matière d’intégrité artistique. L’art contemporain possède cette capacité à questionner, à remettre en cause et à ouvrir des conversations parfois difficiles, et cette liberté ne devrait jamais être compromise par des objectifs commerciaux. Les meilleures collaborations sont celles dans lesquelles chacun apporte ses forces tout en respectant le rôle de l’autre.
L’O : Enth Projects réunit aussi bien des artistes émergents que des artistes établis. Qu’est-ce qui attire généralement votre attention lorsque vous découvrez un nouvel artiste ?
SJ : Il n’existe pas de checklist. Ce qui attire mon attention, c’est un artiste dont la pratique possède une véritable singularité — un travail qui ouvre de nouvelles façons de voir ou qui continue de susciter des questions plutôt que d’apporter des réponses faciles.
Je m’intéresse moins au fait qu’un artiste soit émergent ou établi qu’à la force de sa pratique elle-même. Si je dois consacrer mon temps et mon énergie à un artiste, cela doit venir d’une conviction personnelle plutôt que d’une stratégie.
En définitive, mon rôle n’est pas de façonner la voix d’un artiste, mais de créer des contextes réfléchis dans lesquels d’autres peuvent découvrir son travail et établir leur propre connexion avec celui-ci.

L’O : En regardant vers l’avenir, quels types d’expositions, de collaborations ou de projets culturels pouvons-nous attendre d’Enth Projects au cours de l’année à venir ?
SJ : Vous verrez certainement le programme en ligne continuer à évoluer à travers des sélections curatoriales régulières, présentant aussi bien des artistes émergents qu’établis venus de différentes régions du monde. Mais ce qui m’intéresse surtout, c’est la manière dont ces sélections peuvent se connecter à d’autres formes de programmation plutôt que d’exister de manière isolée.
Un exemple récent est l’exposition City Within de Paul Hutchinson à New York. Le projet ne s’est pas arrêté à la fermeture de l’exposition : il s’est poursuivi à travers des contenus éditoriaux, un film et une présentation des œuvres en ligne, permettant à de nouveaux publics de découvrir sa pratique au-delà de l’exposition physique. J’aimerais développer davantage de projets capables de circuler avec cette même fluidité entre formats physiques et digitaux, chaque élément enrichissant les autres plutôt que d’exister indépendamment.
Je souhaite également continuer à créer des rencontres plus intimes réunissant artistes, collectionneurs et membres de la communauté culturelle au sens large. Au fil des années, j’ai organisé des dîners et des conversations dans l’esprit des salons, et j’ai toujours été frappé par le fait que certains des échanges les plus enrichissants se produisent autour d’une table. Je considère ces moments comme une autre manière de soutenir les artistes et de créer des opportunités de dialogue réfléchies, au-delà des expositions, des contenus éditoriaux et des présentations en ligne.
L’O : Enfin, à quoi ressemblerait le succès pour Enth Projects, non pas en termes de ventes, mais en termes d’impact culturel ?
SJ : Pour moi, le succès serait de savoir qu’Enth Projects a contribué à créer des connexions durables entre les artistes et les personnes qui découvrent leur travail. Si quelqu’un découvre grâce à Enth un artiste qui change sa manière de voir le monde, commence à collectionner avec davantage de confiance ou prend simplement plus de temps pour regarder et s’engager avec l’art contemporain, je considérerais cela comme une contribution significative.
J’espère également qu’Enth contribuera à élargir la réflexion sur la manière dont l’art peut être présenté et expérimenté. Non pas en remplaçant les modèles existants, mais en montrant que les expositions, les contenus éditoriaux, les plateformes digitales et les collaborations culturelles peuvent se compléter de manière pertinente.
En définitive, j’aimerais qu’Enth Projects reste dans les mémoires moins pour ce qu’il était que pour ce qu’il a rendu possible — pour les artistes qu’il a défendus, les conversations qu’il a suscitées et les connexions qu’il a contribué à créer.

www.enth-projects.com @enthprojects

Portrait photography by Wen Studio

Enth Projects, la plateforme qui repense l’art de collectionner

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