Commissaire invitée de la Biennale de Lyon, Emma Lavigne (directrice du Centre Pompidou-Metz) a composé le deuxième chapitre du thème proposé par Thierry Raspail : moderne. Ses “Mondes flottants” convoquent l’histoire et l’aujourd’hui. Rencontre.

L&rsquo;OFFICIEL ART&nbsp;: Cette 14e &eacute;dition de la Biennale constitue le deuxi&egrave;me volet du th&egrave;me retenu par Thierry Raspail&nbsp;: moderne &ndash; le commissariat du premier (2015) ayant &eacute;t&eacute; confi&eacute; &agrave; Ralph Rugoff. Pour recontextualiser l&rsquo;&eacute;tincelle de d&eacute;part de &ldquo;Mondes flottants&rdquo; : comment d&eacute;finiriez-vous la modernit&eacute; ? 
EMMA LAVIGNE&nbsp;: Je ne souhaitais pas puiser dans des formes de citations du moderne qui nous auraient conduits &agrave; une sorte d&rsquo;h&eacute;ritage du post-modernisme, mais plut&ocirc;t tenter de comprendre ce qui &ndash; dans le moderne &ndash; avait &eacute;t&eacute; un d&eacute;clencheur de projet dans mon travail de commissaire. Il s&rsquo;agit v&eacute;ritablement d&rsquo;&eacute;tincelle de la modernit&eacute; pr&eacute;sente, par exemple, dans la danse moderne telle qu&rsquo;ont pu l&rsquo;inventer Lo&iuml;e Fuller ou Isadora Duncan. Cette danse totalement lib&eacute;r&eacute;e des carcans de la sc&egrave;ne a &eacute;t&eacute; un vecteur de nouvelles formes pour des artistes modernes puis contemporains. C&rsquo;&eacute;tait l&rsquo;objet de l&rsquo;exposition &ldquo;Danser sa vie&rdquo;, que j&rsquo;avais organis&eacute;e avec Christine Macel au Centre Pompidou (2011-2012). Dans le champ de la musique, on observe les m&ecirc;mes br&egrave;ches&nbsp;: elles seront ouvertes par Claude Debussy et Erik Satie, pour s&rsquo;&eacute;tendre aux artistes contemporains invit&eacute;s &agrave; cette Biennale 2017. Ari Benjamin Meyers ou Yuko Mohri sont ainsi obs&eacute;d&eacute;s par ces pionniers de la modernit&eacute;, qui ont compl&egrave;tement r&eacute;volutionn&eacute; la forme m&ecirc;me de la musique, de l&rsquo;art plastique, de la po&eacute;sie ou de la litt&eacute;rature. Toutes ces questions des flux et de l&rsquo;ouverture de l&rsquo;&oelig;uvre d&rsquo;art m&rsquo;ont int&eacute;ress&eacute;e et guid&eacute;e dans la construction de &ldquo;Mondes flottants&rdquo;. Dans son livre, L&rsquo;&OElig;uvre ouverte, publi&eacute; en 1965, Umberto Eco prolonge l&rsquo;h&eacute;ritage de ces formes de la modernit&eacute;, peut-&ecirc;tre moins connues en ce qu&rsquo;elles restent plus exp&eacute;rimentales, moins simples &agrave; accrocher sur les cimaises d&rsquo;un mus&eacute;e. Avec comme point d&rsquo;origine mon domaine de l&rsquo;art contemporain, j&rsquo;ai donc observ&eacute; quelles &eacute;taient les formes, les artistes, les flux, les mots qui avaient encore du sens pour certains des artistes contemporains.

“J’ai voulu tisser des correspondances, tout particulièrement au musée, pour montrer que ce qui nourrit la création la plus contemporaine, la plus expérimentale est une modernité située dans une invention dont on n’a pas cessé de définir les contours, que l’on ne peut pas saisir en ce qu’elle est animée par un rythme perpétuel de métamorphoses, de transformations.” 

Dans le parcours, ce dialogue est parfois directement activ&eacute;, parfois induit. 
Notre souhait n&rsquo;a pas &eacute;t&eacute; de mettre syst&eacute;matiquement en r&eacute;sonance un artiste contemporain avec de l&rsquo;art moderne. Mais chaque fois que ce dialogue est pr&eacute;sent dans une salle d&rsquo;exposition du mus&eacute;e, c&rsquo;est pr&eacute;cis&eacute;ment parce que l&rsquo;artiste contemporain a &eacute;t&eacute; irrigu&eacute; par tel aspect de la modernit&eacute;. Nous avons ainsi associ&eacute; Yuko Mohri avec Marcel Duchamp. Nous exposons &eacute;galement une magnifique pi&egrave;ce de Cerith Wyn Evans intitul&eacute;e Apparition, qui interroge la diffraction et la disparition de la forme. L&rsquo;artiste a &eacute;t&eacute; inspir&eacute; par un po&egrave;me de Mallarm&eacute; consacr&eacute; &agrave; l&rsquo;apparition, mais il est &eacute;galement tr&egrave;s sensible au travail de Otto Piene et de Heinz Mack, ces artistes du groupe Zero qui, au lendemain de la guerre, ont cherch&eacute; de nouvelles formes &agrave; inventer. Au Mac, dans la salle consacr&eacute;e &agrave; Ernesto Neto, l&rsquo;artiste dit combien son travail commence l&agrave; o&ugrave; celui de Jean Arp s&rsquo;est arr&ecirc;t&eacute;. Il est profond&eacute;ment fascin&eacute; par la germination des formes chez Arp et leur dimension biomorphique, c&rsquo;est pourquoi il a souhait&eacute; que j&rsquo;imagine un dialogue entre son &oelig;uvre et ces formes tr&egrave;s proches de la nature. Jean Arp lui-m&ecirc;me disait : &ldquo;Mon travail n&rsquo;est pas si &eacute;loign&eacute; du travail de la mer qui vient sculpter les galets&rdquo;. Bon nombre de filiations secr&egrave;tes lient des &oelig;uvres &agrave; d&rsquo;autres &oelig;uvres. Shimabuku a ainsi souhait&eacute; dialoguer avec Hans Richter, car il &eacute;tait tr&egrave;s inspir&eacute; par son film Ghosts Before Breakfast (1928). J&rsquo;ai voulu tisser les correspondances, tout particuli&egrave;rement au mus&eacute;e, pour montrer que ce qui nourrit la cr&eacute;ation la plus contemporaine, la plus exp&eacute;rimentale, est une modernit&eacute; situ&eacute;e dans une invention dont on n&rsquo;a pas cess&eacute; de d&eacute;finir les contours, que l&rsquo;on ne peut pas saisir en ce qu&rsquo;elle est anim&eacute;e par un rythme perp&eacute;tuel de m&eacute;tamorphoses, de transformations. Cette modernit&eacute;-l&agrave; est finalement tr&egrave;s t&ocirc;t ouverte au hasard, &agrave; l&rsquo;environnement, &agrave; l&rsquo;atmosph&egrave;re, &agrave; ces questions des flux.

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 Marco Godinho, Forever Immigrant.

La phrase de Rilke, que vous citez volontiers, r&eacute;sume ces mouvances, ces instabilit&eacute;s, &agrave; l&rsquo;image du monde actuel&nbsp;: &ldquo;Il est &eacute;trange de voir ainsi que tout ce qui se rattachait, librement vole de-ci, de-l&agrave;, dans l&rsquo;espace sans lien&rdquo;. 
Ce qui m&rsquo;int&eacute;resse beaucoup est cette sensibilit&eacute; de Rilke lorsqu&rsquo;il s&rsquo;interroge sur la place de l&rsquo;artiste dans un monde parfois submerg&eacute;, toujours mouvant, qui tourne trop vite, se d&eacute;lite. J&rsquo;ai travaill&eacute; &agrave; un moment (les attentats de novembre 2015) o&ugrave; je sentais autour de moi de nombreux doutes et questionnements, c&rsquo;est pourquoi j&rsquo;ai recouru &agrave; des artistes, tour &agrave; tour musiciens, po&egrave;tes, pour cr&eacute;er des moments de pl&eacute;nitude et de contemplation avec une dimension plus philosophique, m&eacute;ditative, zen, plus orientale finalement. Ces &ldquo;mondes flottants&rdquo; sont une sorte de concept selon lequel on d&eacute;couvre l&rsquo;impermanence des choses, qui peuvent aussi se reconnecter, se reconfigurer. Dans cette optique, j&rsquo;ai refus&eacute; que chaque artiste dispose d&rsquo;un pr&eacute; carr&eacute;, au b&eacute;n&eacute;fice de la porosit&eacute; entre certaines &oelig;uvres et avec le moins de murs possibles. Comme pour exprimer la m&eacute;taphore d&rsquo;un monde flottant o&ugrave; nous pouvons encore davantage nous connecter les uns aux autres. A la Sucri&egrave;re, plusieurs &oelig;uvres font &eacute;cho au monde contemporain. D&rsquo;un point de vue plus sociologique, j&rsquo;ai &eacute;t&eacute; aussi tr&egrave;s sensible &agrave; la pens&eacute;e de Zygmunt Bauman, notamment lorsqu&rsquo;il parle de modernit&eacute; liquide. C&rsquo;est-&agrave;-dire que la modernit&eacute; a &eacute;t&eacute; sous-tendue par cette id&eacute;e de progr&egrave;s, d&rsquo;acc&eacute;l&eacute;ration permanente qui m&egrave;ne &eacute;galement au d&eacute;racinement des individus, &agrave; l&rsquo;Anthropoc&egrave;ne, aux catastrophes naturelles qui viennent encore d&eacute;sagr&eacute;ger ce monde. J&rsquo;ai voulu laisser ouvertes les interpr&eacute;tations, je ne peux donner une lecture unique de l&rsquo;&eacute;tat de notre monde contemporain.

Jingfang HAO & Lingjie WANG, L’été à venir est déjà fini, 2016 Courtesy des artistes © Lingjie Wang, ADAGP.j

Ces derni&egrave;res ann&eacute;es ont connu une forme d&rsquo;acc&eacute;l&eacute;ration de l&rsquo;histoire, guerres, migrations de populations, paup&eacute;risation, g&eacute;n&eacute;rant un d&eacute;placement de curseur de l&rsquo;humain/inhumain, acceptable/inacceptable. L&rsquo;art contemporain peut-il s&rsquo;exprimer &ldquo;honn&ecirc;tement&rdquo;, en se soustrayant &agrave; ces questions qui nous concernent tous&nbsp;? 
Ce sujet a fait couler beaucoup d&rsquo;encre, notamment lors de la derni&egrave;re Biennale de Venise, au sujet des migrants autour de la pi&egrave;ce d&rsquo;Olafur Eliasson (Green Light, 2016). J&rsquo;ai voulu traiter cet aspect de fa&ccedil;on plus m&eacute;taphorique pour ne pas &eacute;vacuer la question, sans toutefois l&rsquo;instrumentaliser. Je n&rsquo;ai pas pass&eacute; de commande sp&eacute;cifique &agrave; un artiste sur ces questions-l&agrave;, je veux laisser les artistes libres de leur sujet, mais il y a des &oelig;uvres qui ont trait aux questions de la circulation des individus, sans adh&eacute;rer de fa&ccedil;on imm&eacute;diate de cette actualit&eacute;. J&rsquo;ai ainsi propos&eacute; &agrave; l&rsquo;artiste Marco Godinho de lui confier la fa&ccedil;ade et les murs int&eacute;rieurs de la Sucri&egrave;re, il y a install&eacute; sa pi&egrave;ce Forever immigrants. Il a cr&eacute;&eacute; un tampon portant ce message, et appos&eacute; de telle sorte que cela produit un nuage mouvant, donnant l&rsquo;impression que l&rsquo;&oelig;uvre entre dans la Biennale. Godinho avait d&rsquo;ailleurs r&eacute;alis&eacute; cette pi&egrave;ce avant la crise des migrants, mais j&rsquo;ai souhait&eacute; lui proposer d&rsquo;en faire un statement fort, en &eacute;cho avec l&rsquo;actualit&eacute;. Ces questions-l&agrave;, bien s&ucirc;r, m&rsquo;obs&egrave;dent, et je pense qu&rsquo;elles doivent entrer dans notre travail au plan individuel et institutionnel. Cependant, lorsque ce sujet devient une sorte d&rsquo;iconographie, on assiste &agrave; des choses parfois d&eacute;routantes. Je ne l&rsquo;ai pas souhait&eacute; pour cette Biennale.

&nbsp;

&ldquo;MONDES FLOTTANTS&rdquo; 
14e Biennale de Lyon 
du 20 septembre 2017 au 7 janvier 2018 
<a href="http://www.biennaledelyon.com/">http://www.biennaledelyon.com/</a>

HAACKE Hans, Wide White Flow, 1967-2017, Courtesy de l'artiste, de la Biennale de. Lyon, 2017 Courtesy Paula Cooper Gallery © Hans Haacke / Artists Rights Society ARS © Blaise Adilon © Adagp

MAGID Jill, Tapete de flores, 2017, Courtesy de l'artiste, de la Biennale de Lyon 2017, avec le soutien de SODIF © Blaise Adilon

MEIRELES Cildo, Babel, 2001, Courtesy de l'artiste, de la Biennale de Lyon 2017 et Finnish National Gallery Museum of Contemporary Art Kiasma, Helsinki, Finland N-2002-14, Kiasman Ystävätry./Friends of Kiasma ©Blaise Adilon

MOHRI Yuko, Moré Moré [Leaky] The Falling Water Given #4-6, 2017, Courtesy de l'artiste, de la Biennale de Lyon 2017 et White Rainbow, ©Blaise Adilon

MOHRI Yuko, Pleated image, 2017, Courtesy de l'artiste, de la Biennale de Lyon 2017 et White Rainbow ©Blaise Adilon

NETO Ernesto, Two columns for one bubble light; Minimal surface of a body Evolution on a field, 2017, Courtesy de l'artiste, de la Biennale de Lyon 2017, de la galerie Max Hetzier © Blaise Adilon

NEUENSCHWANDER Rivane, Bataille (détail), 2017, Courtesy de l'artiste, de la Biennale de Lyon 2017, Galeria Fortes d'Aloia & Gabriel, Tanya Bonakdar Gallery, Stephen Friedman Gallery © Blaise Adilon

NEUENSCHWANDER Rivane, Bataille, 2017, Courtesy de l'artiste, de la Biennale de Lyon 2017, Galeria Fortes d'Aloia & Gabriel, Tanya Bonakdar Gallery, Stephen Friedman Gallery © Blaise Adilon

QUESNE Philippe, Caverne, 2017, Courtesy de l'artiste, de la Biennale de Lyon 2017, Courtesy Nanterre-Amandiers©Blaise Adilon

SARACENO Tomas, Hyperweb of the present, Courtesy de l'artiste, Biennale de Lyon, anya Bonakdar galleryn New York; Andersen's Contemporary,Copenhague Pink summer contemporary art,Genoa; Esther Schipper,Berlin; Ruth Benzacar,Buenos Aires ©Blaise Adilon

SARACENO Tomas, Hyperweb of the present; 2017 - légende

SARACENO Tomas, Hyperweb of the present; 2017

VOIGT Jorinde, The Shift I-VII, WV 2016-107 to 114 ; 2017, Courtesy de l'artiste, de la Biennale de Lyon 2017, Studio Jorinde Voigt, KÖNIG GALERIE ©Blaise Adilon ©Adagp

WYN EVANS Cerith, A=P=P=A=R=I=T=I=O=N 2008, Courtesy de l'artiste, de la Biennale de Lyon 2017, Collection Centre Pompidou Paris, Musée national d'art moderne/centre de création industrielle © Blaise Adilon

Emma Lavigne : “Une modernité ouverte au hasard, aux flux.”

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